ANÁLISIS DEL ENSAYO “LA VOLUNTAD CREATIVA EN LA ARQUITECTURA DECONSTRUCTIVISTA” POR JOSÉ LUIS LIZÁRRAGA VALDEZ.

Del siguiente ensayo me interesaría rescatar el trato que se le da a la arquitectura como un arte. Pero, ¿es en realidad la arquitectura un arte? Como un arte, la arquitectura sirve para expresar a través de un objeto artificial la expresión subjetiva de un sentimiento del creador el cual refleja la situación que vive en un momento determinado. La arquitectura si se ha ido modificando a las exigencias que el mundo le plantea, los arquitectos actuales tratan de dar una solución a los problemas de espacio que sufren las personas en nuestro tiempo. Estos problemas se van modificando por el grupo étnico al que pertenecemos, la posición socio-económico-cultural de las personas a quien va dirigido la obra arquitectónica. Aquí entra mi primer desacuerdo, al momento de crear una obra de arte el artista plasma sus sentimientos y sus ideas en ella, el arquitecto tiene que satisfacer las necesidades que el cliente le plantea, por lo que no plasmamos los sentimientos del autor si no de quién encarga la obra. Si el arquitecto por egocentrismo planea una obra que puede ser bella pero niega la características de habitabilidad que son requeridas por el cliente, nunca será usada para su propósito, el habitarla, pero puede que llegue a ser una magna escultura que todo el mundo será capaz de observar. Pero habría que diferenciar muy claramente la profesión de arquitecto de la de escultor.

     El segundo aspecto que abordaré es la premisa de que “nunca conseguiremos apropiarnos de las modalidades internas de las épocas pasadas hasta el punto de pensar con su espíritu”.  Esto me parece una afirmación correcta ya que como el mismo Villagrán nos aporta con la Ley Cronotópica, la arquitectura ofrece una respuesta a un tiempo y un lugar determinados, esto hará que la tome distintas soluciones. Mi forma de pensar al contrario de algunas corrientes históricas que aseguran que los eventos ocurridos en el pasado pueden ser reproducidos de nuevo con las mismas características, me dicta que la arquitectura creada por ejemplo por las civilizaciones antiguas ya no puede ser usada para habitar debido a que ya no satisface las necesidades de espacio que cumplió en su tiempo.

     En cuanto a la arquitectura deconstructivista, estoy en desacuerdo ya que creo que generar una arquitectura de ruptura no es lo más viable a nivel ciudad. Como arquitectos no podemos crear una obra que se centre en nuestro ego, tenemos que tomar en cuenta el contexto del emplazamiento en el cual se desarrollará el proyecto. No podemos ir “gritando” nuestros propios intereses cuando la ciudad es el lugar vivienda de muchas personas. Creo de suma importancia el respeto l contexto en el cual se desarrollará el proyecto, debemos buscar que nuestra creación no llegue a la imitación, podemos innovar en los materiales y al análisis de la tipología para la aplicación. Pero no creo que una obra que rompa con el contexto totalmente seas lo más adecuado para el tejido urbano.

CAMARILLO CORTÉS JOSÉ ROBERTO

DEFINICIONES

CAMARILLO CORTÉS JOSÉ ROBERTO                                                         TEORIA DE LA ARQUITECTURA IV

SEMIÓTICA

DEFINICIÓN:

La semiótica o semiología es la ciencia que trata de los sistemas de comunicación dentro de las sociedades humanas.

     Saussure fue el primero que hablo de la semiología y la define como: "Una ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social"; añade inmediatamente: "Ella nos enseñará en que con los signos y cuáles son las leyes que lo gobiernan...".

     El americano Peirce (considerado el creador de la semiótica) concibe igualmente una teoría general de los signos que llama semiótica. Ambos nombres basados en el griego "Semenion" (significa signo) se emplean hoy como prácticamente sinónimos.

     En la semiótica se dan corrientes muy diversas y a veces muy dispares por lo que más que una ciencia puede considerarse un conjunto de aportaciones por la ausencia del signo y el análisis del funcionamiento de códigos completos.

     De semiótica se ha ocupado entre otros, Prieto, Barthes, Umberto Eco,... A estos últimos se debe la aplicación del concepto de signos a todos los hechos significativos de la sociedad humana.

Ej: La moda, las costumbres, los espectáculos, los ritos y ceremonias,

los objetos de uso cotidiano,...

     El concepto de signo y sus implicaciones filosóficas, la naturaleza y clases de signos, el análisis de códigos completos... Son objetos de estudio de la semiótica o semiología.

     Hoy la investigación llamada la semiología, por quienes prefieren lo europeo o semiótica, por quienes prefieren lo americano, se centra en el estudio de la naturaleza de los sistemas autónomos de comunicación, y en el lugar de la misma semiología ocupa en el saber humano.

     Saussure insiste en que la lingüística es una parte de la semiología, ya que esta abarca también el estudio de los sistemas de signos no lingüísticos. Se cae a menudo en el error de considerar equivalentes lenguaje y semiología, y nada más alejado de la realidad; El lenguaje es semiología, pero no toda la semiología es lenguaje.

     Si Saussure opina esto, ahora bien según Barthes no es en absoluto cierto que en la vida social de nuestro tiempo existan, fuera del lenguaje humano, sistemas de signos de cierta amplitud. Objetos, imágenes, comportamientos, pueden en efecto significar pero nunca de un modo autónomo. Todo sistema semiológico tiene que ver con el lenguaje. Parece cada vez más difícil concebir un sistema de imágenes o objetos cuyos significados puedan existir fuera del lenguaje: Para percibir lo que una sustancia significa necesariamente hay que recurrir al trabajo de articulación llevado a cabo por la lengua. Así el semiólogo, aunque en un principio trabaje sobre sustancias no lingüísticas, encontrará antes o después el lenguaje en su camino. No solo a guisa de modelo sino también a título de componente de elemento mediador o de significado. Hay pues que admitir la posibilidad de invertir la afirmación de Saussure: La lingüística no es una parte, aunque sea privilegiada, de la semiología, sino, por el contrario, la semiología es una parte de la lingüística.

     Otras Definiciones Y Conceptos. Es difícil dar una definición unánime de lo que es la semiótica. Sin embargo puede haber acuerdo acerca de "doctrina de los signos" o "teoría de los signos".

Esta definición presenta el inconveniente de transferir al término "signo" la mayor parte de los interrogantes. Además observamos que los problemas ligados a la definición implican la definición misma, hecho que marca fehacientemente las dificultades de la empresa al tiempo que subraya su interés.

     Este interrogante remite inevitablemente al objeto de la semiótica, en consecuencia, a la unificación de las problemáticas de la significación y, correlativamente, a la constitución de una comunidad científica capaz de instituir y de garantizar la validez de estas problemáticas. Esto muestra que el acceso a la semiótica es, en principio, complejo pues se sitúa necesariamente en la interfaz de un gran número de campos del saber (filosofía, fenomenología, psicología, etnología, antropología, sociología, epistemología, lingüística, teorías de la percepción, neurociencias,...). La tarea histórica de la semiótica podría ser la de hacer cooperar esos saberes, institucionalmente separados, para producir un saber nuevo, un saber, en cierto modo, de segundo grado.

     Encontraremos pues tantas doctrinas de los signos como conceptualizaciones de esta cooperación de saberes; dicho de otra manera, las doctrinas difieren según el contenido primitivo atribuido al término "signo". Sin embargo, en su acepción corriente, este término es lo suficientemente preciso como para que podamos contentarnos con las expresiones "doctrina de los signos" o "teoría de los signos", en virtud de la mayor o menor pretensión de formalización científica ostentada por las diferentes corrientes que se registrarán más adelante. Tendremos que tomar en cuenta también el amplio lugar ocupado por el signo lingüístico, tanto en la ocupación del campo como en una perspectiva histórica, puesto que para algunos la semiótica se confunde con la semi-lingüística, inclusive con una filosofía del lenguaje. Es dable considerar entonces, desde el comienzo, el carácter necesariamente polémico de toda tentativa de organización del campo semiótico y limitar nuestras ambiciones a mostrar que la semiótica es el ámbito privilegiado donde se organiza el debate acerca de la significación; queda claro que nosotros seremos parte interesada en ese debate.

MI OPINIÓN: puedo entender la semiótica como el estudio de los símbolos que se desarrollan dentro de una civilización. Pero creo de suma importancia recalcar que cada sociedad desde que nacemos nos programa a través de un idioma o lenguaje para entender los signos que se emplean más en determinada cultura. Como seres humanos el lenguaje es primordial en nuestra vida, por lo que debemos ser capaces de entender todos los signos que se nos presentan a lo largo de nuestra vida.

ICONO

DEFINICIÓN:

Un icono es una imagen o representación que sustituye a un objeto o a una idea por analogía o simbólicamente.

     La palabra ícono o icono viene del griego y significa imagen. El término se emplea para referir a imágenes, signos y símbolos que son utilizados para representar conceptos u objetos.

     La iconografía es ampliamente utilizada en diversos ámbitos. Puede decirse que prácticamente todo lo que nos rodea en las sociedades contemporáneas son iconos, símbolos, o imágenes representativas. Estos iconos pueden tener un propósito figurativo, decorativo o significativo.

Típicamente, la iconografía se emplea en contextos religiosos, para representar imágenes, analogías, metáforas, divinidades y doctrinas. Las religiones han hecho un exhaustivo uso de las imágenes en toda la historia, a menudo teniendo una importancia ornamental como objeto de veneración.

     Religiones como el catolicismo se han valido largamente de todo tipo de imágenes para representar a sus figuras divinas, como a Jesús, la Virgen María y el Espíritu Santo. Estas imágenes o iconos se producen en mosaicos, vidrios, papeles, madera y otros materiales, y pueden ubicarse en templos e iglesias o en viviendas para la adoración y las plegarias.
A su vez, durante el Imperio Bizantino y, más precisamente, en Constantinopla, la tradición de los iconos se desarrolló con fuerza y muchas de estas imágenes se conservan al día de hoy.

MI OPINIÓN: entiendo un ícono como la representación de una idea a partir de un dibujo. El ejemplo más claro y más común que encuentro son los símbolos que usamos para representar los lugares para discapacitados, un cruce peatonal, etc. Todos los antes mencionados con el simple hecho de verlos nos evocan una idea y comprendemos su significado. Con lo anterior quisiera poner como premisa que los íconos van de acuerdo por así decirlo en niveles de comprensión. Hay íconos que son entendidos por la población en general pero hay otros que por ejemplo sólo pueden ser entendidos por ingenieros, arquitectos, doctores, religiosos, filósofos y antropólogos. Otra idea es que si ¿el significado de ícono es el mismo que el de símbolo? Esto no me ha quedado muy claro y no se con precisión se pueden ser usados de la misma manera.

CREATIVIDAD

DEFINICIÓN:

La creatividad, también denominada como inventiva, pensamiento original, imaginación constructiva, pensamiento creativo, entre otras maneras, es la generación de nuevas ideas, conceptos o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos ya conocidos y que están orientados a producir soluciones originales. La creatividad puede dar lugar a la creación de cualquier cosa nueva, al hallazgo de soluciones originales o a la modificación o transformación del mundo.

     El proceso de creatividad consistirá en encontrar aquellos métodos u objetos más satisfactorios para realizar aquellas tareas que permitan la concreción de maneras o cosas nuevas y distintas, siendo el ingenio la principal fuente de inspiración para dar curso a los mismos.

     Además, la creatividad, suele ser una excelente herramienta a la hora de tener que cumplir o satisfacer deseos, ya que nos permitirá hacerlo de manera rápida, efectiva, económica, sin necesidad de embarcarnos en grandes empresas o gestas para lograr aquello que queremos o deseamos.

     La ciencia desde diversas disciplinas y ramas se ha interesado en estudiar e investigar el cómo y porqué de la creatividad. Desde un punto de vista estrictamente técnico, la creatividad se entiende como un proceso, como una característica más de la personalidad de las personas o bien como un producto.

     Por ejemplo, a instancias de la psicología, la creatividad es una actividad que se encuentra contenida por la imaginación, que consiste básicamente en hacer algo nuevo o lo mismo pero de manera distinta y así es como la explica.

     Por otro lado, para la sociología, la creatividad surgirá cuando se encuentren presentes tres variables: el campo, representado en los grupos sociales, el dominio, que será la disciplina o área en cuestión y el individuo. Entonces, la sociología sostiene que una persona realiza transformaciones en un domino determinado, las cuales, posteriormente, serán evaluadas a instancias de los diversos grupos sociales.

     Si bien al respecto de la creatividad es difícil generalizar porque obviamente es una cuestión tan subjetiva y particular de cada uno, se pueden dar algunas de las características más comunes que suelen observar aquellas personas o personalidades más creativas: confianza en si mismo, valor, flexibilidad, elevada capacidad para la asociación, capacidad intuitiva, fineza en la percepción, imaginación, capacidad crítica, inquietudes intelectuales, características afectivas de sentirse queridos y apreciados, soltura, libertad, entusiasmo, tenacidad y profundidad.

MI OPINIÓN: los que más llamó mi atención del texto anterior fue la siguiente frase: “El proceso de creatividad consistirá en encontrar aquellos métodos u objetos más satisfactorios para realizar aquellas tareas que permitan la concreción de maneras o cosas nuevas y distintas, siendo el ingenio la principal fuente de inspiración para dar curso a los mismos.” Creo que este concepto está muy apegado al de diseño, pero creo que creatividad y diseño son conceptos distintos. Considero que la creatividad es la herramienta primordial de diseño, a través de la creatividad podemos dar soluciones variadas a una necesidad. Con lo anterior también me gustaría decir que las capacidades creativas de cada persona se ven afectadas por el medio en el que vive y las experiencias que ha recibido a lo largo de su vida el individuo. Esto es lo que crea que por ejemplo en esta facultad aunque se nos asigne el mismo proyecto a todos los alumnos, se generen proyectos distintos. Todos tenemos experiencias distintas por lo que cada proyecto a través de la creatividad de su creador sea concebido de una manera distinta. Otro aspecto interesante es que cuando vemos los proyectos creados por los demás compañeros aprendemos, conocemos, otros puntos de vista y así podemos enriquecer nuestra creatividad y aplicarla al proyecto. Un factor también importante creo que puede ser la visión que se tenga del mundo y la apertura que tengamos a la recepción de las demás formas adoptadas por las demás personas, creo que por ejemplo una persona que ha viajado mucho y ha sido receptiva a los conocimientos del extranjero aumenta su creatividad en comparación a la que no ha tenido oportunidad de salir. Creo de suma importancia la receptividad visual para poder incrementar nuestra capacidad creativa como arquitectos.

PARADOJA

DEFINICIÓN:

Una paradoja nos indica que estamos frente a una afirmación aparentemente verdadera pero que en realidad supone también una auto contradicción lógica que no condice para nada con lo que nos dice el sentido común, una paradoja es por ejemplo que mi hermana se haya pasado toda la vida afirmando y sosteniendo que se casaría con un hombre alto, flaco, de ojos verdes, cuando la realidad indica lo contrario a lo que siempre sostuvo o propuso y que es que se enamoró de un hombre bajo, robusto y de ojos oscuros.

     Por supuesto, que la paradoja abarca estas cuestiones más bien frívolas y secundarias, así como hay otras paradojas que suponen situaciones un poco más determinantes e importantes que esto que les propuse.

     Dependiendo de la veracidad o de las condiciones que las conforman, las paradojas pueden ser verídicas, aquellas que solo parece que lo son aunque en realidad lo que sostienen puede ser verdadero o falso. Dentro de estas, la más representativa resulta ser la del cumpleaños que propone: ¿qué probabilidad hay que dos personas que se encuentran en una reunión cumplan años el mismo día?

Luego están aquellas que se las denominan como verdaderas paradojas, porque lisa y llanamente se contradicen, un ejemplo claro y categórico resulta ser la paradoja de la suerte, que sostiene que es de mala suerte ser supersticioso.

     Y por último están aquellas que dependerán en mucho de la interpretación que se les dé para terminar siendo o no paradojas. Normalmente, se basan en definiciones ambiguas y suelen ser un recurso literario de excelencia adoptado por muchísimos escritores. La paradoja de Boixnet que propone: pienso, luego existo, más cuando no pienso ¿no existo? Es una de las más representativas para ilustrar este último caso.

MI OPINIÓN: creo que una paradoja es una afirmación que llevada a la acción no es coherente o va en contra de lo que se dijo en un principio.

PARADIGMA

DEFINICIÓN:

Un paradigma es un modelo o patrón sostenido en una disciplina científica o epistemológica o, a diversa escala, en otros contextos de una sociedad.

     La palabra “paradigma” viene del griego y significa “modelo” o “ejemplo”. La concepción de paradigma data de fines de la década del ’60 y refiere a un determinado modelo de pensamiento o de interpretación de las entidades que se corresponde con una disciplina y un contexto socio histórico dados. De cualquier forma, el concepto es amplio y puede hacer referencia a un modelo tan complejo como la explicación de determinado fenómeno científico y a algo tan informal y variable como es la interpretación de las relaciones sociales.
En cualquiera de los casos, un paradigma supone un determinado entendimiento de las cosas que promueve una forma de pensar en particular por sobre otras.

     Para la ciencia, la idea de paradigma está asociada con la que dio el científico Thomas Kuhn en su libro “La Estructura de las Revoluciones Científicas”. Para él, un paradigma se define como aquello que se debe observar y escrutar; el tipo de interrogantes que es necesario formular para hallar respuestas en torno de un objetivo; la estructuración de dichos interrogantes; y la interpretación de los resultados científicos.
Desde este tipo de interpretación, el paradigma constituye básicamente un modelo de cómo deben realizarse investigaciones y experimentos científicos, con la concepción en mente de que este modelo pueda replicarse. Sin embargo, en la práctica científica un paradigma constituye mucho más que un modelo experimental, sino que también responde a la manera en que los agentes del campo científico entienden, piensan y hacen ciencia.
Lo mismo ocurre a escala social. Por ejemplo, en términos de cómo en un momento de la historia las sociedades entienden al mundo de una u otra forma.

     Cuando se habla de “cambio de paradigma”, entonces, se hace referencia a la evolución de pensamiento que ocurre en las disciplinas y en las sociedades a través de la historia y que promueve el surgimiento de un nuevo modelo imperante de pensamiento.

Teoría de la Arquitectura IV

SERPENTINE GALLERY PAVILION 2007
[Snøhetta+Eliasson]

Introducción

La Serpentine Gallery es una galería de arte en los jardines de Kensington, Hyde Park, el centro de Londres. Se centra en arte moderno y contemporáneo con exposiciones, arquitectura, educación y programas públicos atrayendo a unos 750.000 visitantes al año. La entrada es gratuita.

Fundada en 1970 y ubicado en lo que fue un clásico pabellón de té de 1934, toma su nombre del cercano lago Serpentine.

Artistas notables que han sido expuestos en él son Man Ray, Henry Moore, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Paula Rego, Bridget Riley, Allan McCollum, Anish Kapoor, Christian Boltanski, el príncipe Richard, Gerhard Richter, Damien Hirst y Jeff Koons.

El Pabellón

La Serpentine Gallery anualmente comisiona arquitectos de reconocimiento internacional en el diseño de un pabellón en el jardín de la galería que proporciona un escaparate único para la práctica de la arquitectura contemporánea. El pabellón es el anfitrión de un programa especial de proyecciones de películas, charlas, los BBC Proms, entre otros.

Desde 2000, cada verano, la galería ha encargado un pabellón temporal a arquitectos de renombre, teniendo hasta la fecha los siguientes:

• 2000: Zaha Hadid Architects
• 2001: Studio Daniel Libeskind
• 2002: Toyo Ito & Associates Architects
• 2003: Oscar Niemeyer
• 2004: MVRDV + Arup (No Realizado)
• 2005: Álvaro Siza & Eduardo Souto de Moura
• 2006: OMA + Arup
• 2007 Pre-pabellón: Zaha Hadid + Patrik Schumacher
• 2007: Snøhetta + Olafur Eliasson
• 2008: Gehry Partners, LLP
• 2009: SANAA
• 2010: Ateliers Jean Nouvel
• 2011: Peter Zumthor

Descripción

Diseñado por el internacionalmente aclamado artista Olafur Eliasson y el galardonado arquitecto noruego Kjetil Thorsen, del despacho de arquitectura Snøhetta. Eliasson y Thorsen construyeron una estructura recubierta de madera con una forma espiral ascendente en la que han incluido una rampa que permite a los visitantes contemplar la vista exterior desde lo alto de la construcción.

El Serpentine Pavilion de 2007 es un edificio espectacular y dinámico. La estructura de madera revestida se asemeja a un trompo dándole una dimensión vertical monumental para el pabellón de un solo nivel habitualmente. Una amplia rampa en espiral da dos vueltas completas, ascendiendo desde el prado de la galería a la sala de estar y continuar hacia arriba, culminando en el punto más alto en una vista a través de los jardines de Kensington y hacia abajo en la cámara inferior.

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ANÁLISIS DEL OBJETO ARQUITECTONICO

El Proceso de Diseño

Snøhetta: Saber cómo?

Snøhetta ha desarrollado una reputación al mantener una fuerte relación entre el medio y la arquitectura en todos sus proyectos. El sitio y contexto de cada proyecto es considerado único y provee un punto de partida para el diseño.

La Arquitectura no puede contenerse simplemente por las reglas del orden, sino que debe adaptarse a la mente inquieta de la sociedad humana. Snøhetta se compromete con la idea de trabajo en equipo a lo largo del proceso de diseño, poniendo el mayor enfásis, desde el cliente hasta el constructor. Creando un fuerte concepto inicial, teniendo una capacidad para  acomodar las variables y modificaciones al esquema sin sacrificar las cualidades previstas.

Acción Arquitectura: Deducir cómo?

Cada proceso de diseño arquitectónico trae aparejada la decisión del individuo de tomar los conocimientos que se le han entregado en los años de formación y generar, mediante un proceso metacognitivo, la solución al encargo entregado.

El Proyecto de Arquitectura nace de una síntesis realizada a partir de muchos elementos que lo determina en forma previa.

Por ello, se hace necesario comprender la importancia de tomar una estrategia para enfocar el proceso de diseño. Cuando el proyecto de arquitectura se enfrenta desde el punto de vista conceptual – esto es definir un concepto propio de trabajo atribuíble a las características espaciales que se quieran lograr – necesitamos complementar todas las variables necesarias para que el concepto se haga realidad.

El concepto se hace realidad en la medida que los proyectos tengan clara definición del objetivo final del espacio, teniendo claridad que el espacio es distinto al volumen. El espacio tiene atributos, el volumen sólo reconoce los elementos que lo definen, haciéndolo incluso mensurable.

Por ello, surge la constante pregunta del diseñador: ¿cómo hacer que el proyecto sea contenido en un determinado contexto como parte integrante de él, y no como un elemento posado que puede desplazarse sin compromiso alguno con su entorno? "Alejandro del Río"

El desarrollo formal de un proyecto de arquitectura surge desde el primer momento en el que se tiene la idea de que se va hacer y que es lo que se quiere hacer , para quien se va hacer , como se quiere hacer , aunque en realidad desde el primer instante que se sabe el nombre del proyecto se crea una imagen de acuerdo a lo conocido sobre ese tema determinado, la forma del objeto concreta sus características tras hacer un análisis de los elementos del entorno para que este cumpla las intensiones deseadas.

Serpentine Gallery Pavilion: Suponer cómo?

Antecedentes:

El Pabellon Anual del Serpentine Gallery tiene como objetivo la creación de obras arqutectónicas únicas concebidas como piezas de arte explotando la concepción formal del pabellón a inaugurarse, acercando a las personas a valorar la arquitectura más de lo que hoy en día; la serie ha dado destellos de lo que el arquitecto puede hacer con el espacio, estructura, elementos como luz y el medio natural y la relación que se puede dar con las actividades humanas.


El Lugar:

Kensington Gardens, Hyde Park, Londrés, Inglaterra. [51°30'16.38'' N     0°10'27.92''O]

El sitio destinado a albergar los pabellones de cada año, no establece restriccion alguna, dada la naturaleza del encargo se da una completa libertad al diseñador para poder establecer los criterios de diseño expresivos y funcionales que considere necesarios para su obra.

Programa arquitectónico / Análisis de Sitio:


Con un solar de estas características y un programa arquitectónico en el que sólo se exige la destreza del arquitecto en la creación de un espacio cultural con facetas expresivas extremas y una multifuncionalidad la cúal el decidirá, además de tener un presupuesto patrocinado por diversas asociaciones se puede decir que se tiene libertad para proponer lo que uno decida.

El proceso de diseño:

Dejando claro de antemano los requerimientos formales y expresivos como herramienta principal empezaremos a proponer los puntos de partida y referencia en el proceso de diseño del Serpentine Gallery Pavilion de 2007.

P

(El Problema de diseño)

Surge de una necesidad cuya solución debe mejorar la calidad de vida o en este caso la del visitante. En este caso la creación de un espacio abierto a la cultura, multifuncional y con requerimientos expresivos únicos.

P+DP

(Definición del Problema)

Definir el problema en su conjunto proporcionará los límites en el que el proyecto debe moverse. Una vez definido este problema general, se provee una solución temporal que incluirá las primeras ideas que han de dar forma a la solución.

P+DP+EP

(Elementos del Problema)

Antes de estas ideas estan los elementos del problema, es decir decomponiendo el problema en sus elementos se encuentran y analizan numerosos sub-problemas que llenarán de información al proyectista.

P+DP+EP+RD

(Recopilación de Datos)

La parte que concierne a la recopilación de datos tiene que ver con el estudio de cada uno de los sub-problemas que pueden haber orientado el proyecto hacia otras soluciones tecnológicas.

P+DP+EP+RD+AD

(Análisis de Datos)

La recopilación de datos  trae como consecuencia el análisis de estos datos ya que el material recopilado no resolverá la totalidad de los problemas expuestos.

P+DP+EP+RD+AD+C

(Creatividad)

La creatividad remplazará a la idea intuitiva. Mientras las idea, vinculada a lo imaginario puede proponer soluciones irrealizables por diversas razones, la creatividad se mantendrá en los límites del problema derivados del análisis de los datos.


Este punto consiste en otra recopilación de datos técnico-constructivos que esten al alcance del diseñador que le permiten posibilidaded en cuanto a la materialización del proyecto y el uso de tecnologías en él.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT

(Materiales / Tecnología)

Ahora bien, es ahora cuando el proyecto  entra en una etapa de experimentación en materiales y técnicas disponibles para su realización, estos serán fundamentales para establecer relaciones útiles para el proyecto.


Estas experimentaciones permiten la construcción de prototipos demostrativos para el determinado objetivo.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT+SP

(Solución del Problema)

Teniendo como antecedentes todo este proceso de diseño, proyectual, o compositivo se pueden formular las imagenes que nos ayudarán a mostrar soluciones parciales de los problemas, los cuales se pueden incorporar al objeto global  ya acabado. De sta manera se puede obtener lo que será la solución del problema.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT+SP+M

(Módelos)

Estableciendo relaciones entre los datos recogidos, los análisis, la creatividad, su traducción en lenguaje técnico-constructivo y la experimentación indicada pueden surgir modelos que indiquen probabilidades en la materialización del proyecto.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT+SP+M+V

(Verificación)

Es posible la participación de un equipo multidisciplinar para someter el o los modelos presentados a una prueba que permitan su verificación o modificación posterior.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT+SP+M+V+DC

(Dibujos Constructivos)

Se puede empezar a preparar los dibujos constructivos que servirán para comunicar a las personas que no estén familiarizadas con el proyecto, todas las informaciones útiles para preparar un prototipo siempre teniendo en claro lo que se pretende realizar.

P+DP+CP+RD+AD+C+MT+SP+M+V+DC = S

(Solución)

Este proceso es una propuesta a lo que  necesariamente la practica del oficio debería contener, si bien pueden existir diversos métodos que permitan llegar al mismo resultado, es importante tener en cuenta que en el ejercicio arquitectónico numerosas son las variables que pueden permitirnos afrontar la problemática de diseño ya que en cada proyecto, aún cuando las tipologías sean las mismas es necesario darle un carácter propio a cada uno de nuestros ejemplos para obtener máximos resultados con el mínimo esfuerzo.

El Concepto Arquitectónico

• Definir la Forma:

Según los autores surgió el proyecto en base al trabajo en la investigación de la experimentación del espacio dándole un enfoque mutuo a la temporalidad como un solo elemento constructor del espacio, el cuál provee diferencias conceptuales entre arte y arquitectura.

Basándose en la relación entre el individuo y el entorno, haciendo énfasis en la tercera dimensión; el movimiento vertical complementa la circulación horizontal entre la galería y el espacio adyacente.

Simboliza la interacción entre estos dos espacios dando un recorrido por el interior el cuál por su geometría y materiales asemeja una tipo caverna el cual conduce a una rampa “airosa” en l cual debido a la fachada solo se puede ver el entorno como ojeando en dónde la rampa se vuelve la cubierta en dónde se puede observar el parque sin obstáculo.

La estructura  se asemeja a un trompo y trae una dimensión vertical dramática al pabellón tradicional de un solo nivel. Una amplia rampa en espiral hace dos vueltas completas, permitiendo a los visitantes para ascender desde la Galería de césped al punto más alto de puntos de vista a través de los jardines de Kensington, así como vistas de pájaro de la cámara, su obra explora la relación entre las personas individuales y sus alrededores.

Explora la idea de la circulación vertical dentro de un espacio único. El objetivo es volver a examinar la estructura tradicional, el pabellón de un solo nivel, añadiendo una nueva dimensión: la altura. El movimiento vertical de los visitantes en el Pabellón complementará la circulación horizontal en los espacios de exposición en el adyacente Serpentine Gallery.

El interior se ilumina con luz de día, emitido a través de la claraboya en el techo. El espacio en sí mismo es definido por un patrón geométrico que a la vez se artícula como la superficie en la pared y como lugares en los que uno puede sentarse. El movimiento y la interacción de los visitantes será un componente de la definición del pabellón.

• Vender la Forma:

Aquí tenemos un claro de concepto de “Galería de Arte”, muchos lo primero que pensamos cuando nos plantean la idea de un edificio de estas características, es un edificio cuadrado, porque no, con un toque historicista romano, en el cual se albergarán grandes obras de arte.

A lo largo del tipo este concepto ha tenido ciertas variaciones que han hecho que la forma sea más rica visualmente y se aproxime a una obra de arte en sí. En su momento esta galería fue un punto que llamaba la atención, pero a los largo del tiempo ese concepto ha cambiado. Se está tratando de que el concepto vaya evolucionando hasta adquirir características más artísticas. Estas tendencias han hecho que los arquitectos sea más exigentes en cuanto a la forma que tendrá el proyecto, ya que muchas veces si la forma del edificio capta la atención del ser humano, por curiosidad este tratará de entrar en él, de explorar si interior y su ambiente, de aquí una frase que ha sido usada desde hace ya mucho tiempo “el amor nace de la vista”, y lo primero que impacta nuestra vista para ser cautivados por un edificio es en sí, la forma.

La Serpentine Gallery de 2007 con su forma caprichosa logra atraer al público. Su forma logra combinar dos conceptos muy importantes, un edificio sólido, pesado, pero que a su vez nos invita a la elevación, a la ligereza. También se busca que este edificio sea un punto de referencia, que todo el mundo cuando lo vea sepa de que se trata. A través de una forma el individuo sabe de que se trata el edificio porque en si es una forma artística.

Otra cosa que su forma deja muy en claro es el recorrido que el espectador hará a lo largo del edificio, un recorrido en espiral, muy distinto de los recorridos que normalmente son lineales y menos atrayentes. Otras intenciones que tiene el proyecto es la diferenciación de dos conceptos totalmente opuestos, la modernidad y lo antiguo, esta forma nos podría recordar, apoyándonos también en la textura, a una roca y el recorrido que la rodea nos transmite una sensación de aproximación al futuro.

Las Intenciones

• Funcionales

Como lo dice la introducción la estructura es situada temporalmente, teniendo como intención principal el objeto de ser parte de la galería y dar una muestra de la arquitectura contemporánea como un objeto de arte que se expone siendo esta una escultura habitable, está compuesto por una cafetería en el parque además de que en esta ocasión es muy obvia la intención de generar una interacción entre el interior y el exterior convirtiéndola en un espacio de transición que finaliza con una especie de mirador.

• Formales

El haber situado el gran macizo que compone la cafetería en contraste con los elementos ligeros que componen el muro de la fachada siendo además la circulación vertical-horizontal generan una sensación de extrapolación de la estructura al dejar el gran claro interior y colocando estos elementos ligeros en el exterior. Otra interpretación posible sería la de una gota de agua la cual llega a un contenedor de líquido o la de una montaña (por su altura) junto con los árboles y el lago dando como resultado la simbolización de los elementos más representativos (debido a las grandes extensiones que generalmente ocupan) de la naturaleza.

Objetivas

COLOR

El uso de materiales que le proporcionen un aspecto sobrio y conservador muy afin para el contexto que digamos por proximidad maneja el museo.

Es una de las sensaciones visuales mas fuertes y de mayor influencia en la percepción visual, pues junto a la claridad, definen cualquier apariencia visual.

SIMETRIA

Existe una distribución adecuada y equilibrada de formas y espacios alrededor de un eje central, elementos equivalentes que se contrarrestan y que se disponen en torno a dos o más ejes que se cortan en un punto.

EJE

Organizado, más o menos regularmente, formas y espacios arquitectónicos. Es una línea que implica simetría, exigiendo equilibrio.


JERARQUIA

Articulación de la relevancia en las circulaciones dandole un significado a la forma en virtud de su dimensión.

El sistema de valores es definido según las necesidades y deseos del uso de la circulacióneuario y de las decisiones del diseñador. Los indicativos de importancia tenidos en cuentas pueden ser la calidad, la riqueza, el detalle, la ornamentación y los materiales excepcionales. Como tipos de jerarquía podemos señalar:

• por una dimensión excepcional (por tamaño)
• por una forma única (contorno)

• por su localización estratégica (situación dentro de la composición)

RITMO

La sucesión o repetición de elementos (líneas, contornos, formas o colores), los cuales pueden ser constantes o alternos, o afectados por el color, la textura, la forma y la posición, logrando una composición grata, armoniosa y acompasada en la sucesión de elementos. Su presencia hace valorizar la composición ya que le da dinamismo.

Dentro de los tipos de ritmo podemos encontrar: - ritmo monótono: caracterizado por su disposición de elementos iguales a intervalos constantes, llegándose a considerar tan natural o común que el observador no llega a percibirlo. - Ritmo dinámico: presenta elementos iguales a intervalos diferentes, o elementos desiguales a intervalos iguales o desiguales, que pueden crecer o decrecer en dimensiones.


REPETICIÓN

Reproducción exacta de los elementos, agrupándose los elementos de acuerdo a la proximidad de unos a otros y a sus características visuales que comparten. La forma repetitiva más usual y sencilla es la lineal, en la que los elementos no tienen que ser totalmente iguales para agruparse, simplemente deben tener un distintivo común pero concediendo individualidad dentro de una misma familia. La repetición puede darse por tamaño, contorno o perfil, y por detalles característicos.

PAUTA

La pauta organiza un modelo arbitrario de elementos a través de su regularidad, su continuidad y su presencia permanente. La pauta en este caso puede ser la linea espiral que se forma en la circulación vertical creando un campo unificador y neutro.

TRANSICIÓN

Progresiones limitadas en las que se producen un cambio cualitativo sin la alteración de lo formal. Por ejemplo, abierto a cerrado, de fuera a dentro, de simple a complicado. Cada uno de los sucesivos incrementos que separan las condiciones extremas de la transición hacen referencia a las colaterales y así constituyen un lazo de unión entre las mismas.


UNIDAD

Se ha logrado unidad en sus elementos, no pueden ser movidos, ni sustituidos por otros, ni mucho menos quitados, sin que la respuesta formal y funcional sufra alteraciones o desintegraciones.

Significa que a través de la unidad el diseño o composición expresa una idea integradora, la cual es única. Esta idea debe prevalecer en la relación e interacción que desarrollen los diferentes elementos que forman parte de un todo. De esto se deduce que aunque todos los elementos que participan en una composición no son iguales deben ejercer reacciones reciprocas entre sí tratando de mantenerse siempre juntos y donde las características propias aportan en beneficio del todo. Esta propiedad no permite que la esencia de los cuerpos sea alterada ya sea por omisión, cambio de posición o reemplazo, ya que cualquier cambio o modificación producido cambia o destruye el todo.

La unidad es una cualidad básica e importante de todo diseño, pues si no se logra se tendría un caos o crisis espacial y el no haber cumplido con la acción de componer u ordenar un todo.


EQUILIBRIO

Es un aspecto fundamental de la composición, es un estado de estabilidad perceptiva o conceptual. Un equilibrio compositivo implica un paralelismo, podemos proponer el siguiente tipo de esquilibrio del Serpentine Gallery Pavilion de 2007:

• Equilibrio radial: da lugar a un movimiento giratorio o de rotación de los elementos con un punto como centro, logrando así el equilibrio o compensación de fuerzas.

ARMONÍA

Contiene una perfecta proporción, integración, interrelación y concordancia de una cosa con otra o de los elementos con un todo. Con este todo armónico se logra a la vez verdadera unidad, donde se nota claramente que cada elemento es un componente indispensable de ese todo.

COHERENCIA.

Poseé una relación tanto funcional como formal de los elementos que conforman el espacio o la composición. Es una cualidad de la unidad armoniosa y de toda composición. Lograda al usar formas repetitivas o frecuentes (usando, por ejemplo, el ritmo), color, textura, detalles, etc, ya que a través de ellos se pueden enlazar los elementos que determinan o componen un diseño.


CLARIDAD

Denota franqueza y sinceridad en la utilización de formas y en la relación de los espacios. Para que exista una claridad física debe existir primero un claridad mental y conceptual. Es decir conocimiento de los conceptos, criterios y teorías de diseño, lo que se puede expresar a través de simplificación de líneas, trazos y volúmenes. La claridad permite mostrar una excelente funcionalidad, cuando los espacios que conforman la unidad fluyen y se relacionan sin complicación y sus formas yo volúmenes se expresan sin recurrir al rebuscamiento.


TEXTURA

Todos los materiales, objetos, formas, volúmenes, etc, poseen una textura, es decir, representa el acabado final que se muestra al ojo del observador. Entonces, podemos afirmar que la textura es el acabado que tienen los cuerpos en su superficie, presentando sensaciones táctiles y visuales, que pretenden realzar, acentuar y valorizar la superficie de la forma. Puede ser natural, si se aprovecha la terminación final del material empleado. Y aplicada cuando sobre la superficie natural se da un tratamiento diferente al propio, de tal forma que los acabados reciben el nombre de texturizados.


PROPORCIÓN

Correspondencia debida entre las cosas y tamaños. La relación dimensional entre las partes que constituyen un todo y el todo en relación al espacio donde se debe ubicar, situar o desarrollar. Por eso en la proporción interactúan formas y los tamaños de los elementos con el objetivo de lograr un todo armonioso. El uso adecuado de la proporción es poco perceptible al ojo del observador, solo se nota un todo armonioso. Sin embargo, su uso inadecuado es rápidamente perceptible por que plantea deformidad y desbalance del diseño.


ESCALA

Su relación dimensional; el hombre con el espacio o con los objetos, es a partir de las medidas del hombre que las diferentes escalas surgen, ya que el hombre representa la escala natural y a partir de ella podemos determinar tamaños o dimensiones espaciales, adecuadas y armónicas.

VARIEDAD

Es una cualidad la cual permite la relación de varias formas, figuras o elementos, de formas distintas su uso racional con mucha lógica, correspondencia y balanceado, la variedad se consigue con la utilización de varios elementos que pueden tener características diferentes, pero que logran armonizarse e integrarse, llegando a formar parte indisoluble de un todo armonioso.

Subjetivas

CARÁCTER

Es una cualidad que permite identificar la función y utilidad de un espacio o elemento, sin necesidad de penetrar en él. Es decir permite advertir cómo es o cómo se comporta sin necesidad de ahondar profundamente. Por medio del carácter las formas tienen un significado y responden claramente a su razón de ser. La expresión del carácter esta impregnado de sencillez, sinceridad, fuerza, unidad armoniosa y perfecto equilibrio. Una composición sin carácter es inexpresiva, carece de valor, de ahí que la forma y la función se interrelacionan armónicamente para brindar expresividad.

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

Facultad de Arqutectura